Depuis quelques années, plusieurs cinéastes français se sont essayés à l’adaptation de roman policiers (Le Mystère de la Chambre Jaune, Bruno Podalydès). Malheureusement, le passage de l’écrit à l’écran est souvent un échec, tant le roman policier répond à une mécanique interne difficile à adapter. Dernier exemple : L’Heure Zéro de Pascal Thomas.
Un roman policier est construit autour d’une architecture complexe qui fait son efficacité : l’évènement initial déclencheur de l’enquête ; la fragmentation du récit (structure narrative souvent à rebours et narration construite sur la notion d’échéance) ; la dualité du roman (histoire du crime et histoire de l’enquête, cf. Todorov dans sa Typologie du roman policier) ; le suspens maintenu par la fluidité,  la concision et la cohésion du récit ; la profondeur des personnages ; la vraisemblance de l’histoire, la tension permanente et le machiavélisme constant ; la cohérence des faux suspects ; le bouquet final en forme de surprise haletante, moment d’explication, de remise en ordre chronologique, de retour à l’ordre. Agatha Christie maîtrisait totalement cette machinerie infernale ; l’adaptation de son Heure Zéro à  l’écran par Pascal Thomas ne jouit pas des mêmes atouts.
Résumons : une demeure bretonne bourgeoise, La Pointe aux Mouettes, est, à l’occasion des vacances estivales, le théâtre d’un curieux rassemblement, autour de sa propriétaire, l’austère Mme Tressilian. Son neveu Guillaume Neuville s’y trouve entourée de deux Mme Neuville (son ex-femme Aude et sa compagne actuelle, Caroline), d’un vieux cousin revenu du Vietnam (Thomas Rondeau), et de différents domestiques secrets. Et donc suspects, quand Mme Tressilian est retrouvée dans son lit la tête fracassée. Le commissaire Martin Bataille mène l’enquête.
Pascal Thomas mêle assez habilement contemporanéité et passé, créant un décalage temporel suave et malicieux. Les protagonistes ainsi que le lieu du crime semblent tout droit sortis d’un vieux film hitchcockien, alors que l’extériorité est d’une modernité rutilante. Il réussit également à peindre des personnages hauts en couleurs à la limite du fantasque, aidé en cela par des  interprétations souvent justes : la délurée et capricieuse Caroline (parfaite Laura Smet), la froide et insensible Aude (Chiara Mastroianni), le décalé et consciencieux commissaire Bataille (François Morel) et la matriarche Mme Tressilian (l’exquise et toujours parfaite Danielle Darrieux). Melvil Poupaud est par contre très décevant, sur-jouant souvent (voir la dernière scène) et régulièrement à côté d’un personnage calculateur et froid. Outre ce qu’il faut bien appeler une erreur de casting, L’Heure Zéro s’embourbe dans une narration pataude et ennuyeuse. Pascal Thomas n’arrive pas à s’approprier la temporalité du récit, pas plus qu’il ne réussit à créer cette tension angoissante du film policier.
L’Heure Zéro reste cependant un agréable divertissement avec quelques trouvailles formelles intéressantes (la fanfare surréaliste aux moments clés du récit) et des prestations bonnes en moyenne, mais sans génie. Mais l'ennui pointe souvent son nez tant l’ensemble manque de rythme et d’énergie.

A l'heure où notre Nation s'interroge sur ses héros (voir la récente "affaire" de la lettre de Guy Môquet), la BNF propose une passionnante petite exposition (site François Mitterrand) qui fouille la difficile question du Héros et son évolution dans le temps.
Outre le fait que cette exposition vous baladera d'une Amphore grecque à un Fender Stratocaster, en passant par l'édition originale des Mémoires de Sainte-Hélène de Las Cases et un tee-shirt de Che Guevara, l'excellente scénographie et l'organisation des salles sont une exaltante invitation à la réflexion sur le concept de héros, l'évolution de ses représentants - et donc de ses signifiants - à travers les époques. La figure du Héros raconte en filigrane l'histoire des sociétés qui les ont vu naître.
Chronologiquement, le héros est d'abord un homme (très peu de femmes ont ce "statut" avant notre modernité) issu de l'aristocratie. Le héros a un sens premier mythologique : c'est "un être fabuleux, la plupart du temps d'origine mi-divine, mi-humaine, divinisé après sa mort". Le héros grec, demi-dieu, auteur d'exploits fracassants, permet de fabriquer l'imaginaire de la société. Désigné par les Dieux, il fonde la civilisation en luttant contre la barbarie. Le héros romain commence à s'effacer derrière le bien commun de la cité. Mais il incarne toujours le courage, l'impétuosité guerrière. Le Moyen-âge marque un tournant dans le concept de héros. L'Église, désireuse d'asseoir sa légitimité et sa puissance, s'empare de ces braves. Le Saint, le Roi ou le Preux incarnent cette nouvelle génération de héros chrétiens, qui luttent contre les forces du mal. Dernière évolution pointée par la BNF : le héros littéraire à partir du XVII siècle. Il devient fictif, mais cristallise les valeurs d'une société en pleine mutation.
La Révolution française marque un tournant du concept de héros : il devient national, lutte pour défendre son pays. Sa vie n'est que secondaire, seule compte la défense de la Nation - concept hérité de 1789. Il est le porteur des aspirations d'un peuple. Tantôt illustre (Napoléon), tantôt simple humain dépassé par la cause qu'il défend (combattants de la Grand Guerre), le héros se sacrifie. Il incarne alors, dans notre système de valeurs, un idéal de force d'âme et d'élévation morale. Le héros refuse la barbarie nazie et s'engage dans la résistance, il fait preuve d'abnégation et d'une totale présence à soi.
La Seconde Guerre mondiale sonne le glas des grandes utopies, au premier rang desquelles, celle du héros. Le héros devient alors le symbole d'un monde qui se cherche, qui zappe, qui individualise. Le héros n'utilise plus la violence, mais il brille par son mérite ou ses performances. Il est le plus souvent le produit des médias, il est éphémère, mondialisé et s'incarne dans divers domaines : l'humanitaire, la politique, le sportif, le musicien. Le héros est aussi un personnage virtuel (héros de fantassy).
Cette exposition de la BNF est un parcours philosophique. Le titre sonne comme une question socratique visant à l'étonnement du spectateur : "Héros. D'Achille à Zidane". Les explications donnent quelques clefs de réflexion, une réflexion qui doit se poursuivre pour chacun. Une très belle initiative. Le héros se situe à la croisée de différents chemins : dépassement de la condition humaine, générosité universelle, mais aussi propagande (religieuse ou étatique, avec Napoléon par exemple) ; il est surtout le reflet de notre société. C'est cet élément crucial que souligne cette exposition.

La Forêt de Mogari, Grand Prix du Jury à Cannes en mai dernier, est une promenade onirique dans les tourments du deuil. Une marche en forêt vers la reconstruction. Magnifique.
Une jeune fille, détruite par la culpabilité ressentie suite à la mort de son enfant, vient en aide à un vieux monsieur enfermé dans le deuil depuis la mort de sa femme il y a trente-trois ans : Naomi Kawase imagine, avec La Forêt de Mogari, un fabuleux voyage de cinéma, aussi sensuel qu’inquiétant.
Cette histoire simple entre Machiko et Shigeki est une formidable exploration du travail de deuil, une magnifique quête de renaissance et / ou de rédemption. Machiko est aide-soignante dans une paisible maison de retraite. Parmi les pensionnaires, Shigeki est un vieillard hagard et presque muet, animé d’une violence sourde. Les deux partent pour une randonnée. Mais après un accident de voiture, ils se perdent dans la forêt de Mogari, vaste espace angoissant et sombre. Cette promenade solitaire (chacun est enfermé dans sa mélancolie) sera une occasion de dépasser un deuil dévastateur enfoui dans le plus profond de leurs consciences respectives.
La Forêt de Mogari s’ouvre sur un magnifique plan fixe en extérieur : un convoi funéraire déambule dans un champ d’un vert aussi pur que sensuel. Le vent, quelques mantras et une cloche métronomique enveloppe ce plan d’un univers sonore lunaire et désolé. Ces quelques (splendides) images cristallisent le triptyque fictionnel de ce nouveau film de Naomi Kawase : la mort, le silence et la nature. Un film d’une émotion contenue ou qui explose, au rythme d’un deuil rendu possible par la connivence (avec l’autre et avec la nature). Voir la très belle scène au coin du feu, d’un érotisme bouleversant.
Naomi Kawase ne filme pas : elle pose sa caméra et observe. Elle suit des êtres détruits par la mort de l’être proche ; des personnages que tout oppose mais que la mort réunit. La réalisatrice japonaise fait preuve d’une grande pudeur. La mort est à peine esquissée, la douleur aussi. Elle filme des êtres proches de la rupture, mais animés d’un grand désir de dépasser la perte de l’autre pour continuer à vivre.
Surtout, Naomi Kawase, grâce à une réalisation très fluide mais très travaillée, brise les concepts de rêve et de réalité (on pense forcément à l’extraordinaire Mulholland Drive de David Lynch). L’un et l’autre se répondent, et la réalisatrice s’amuse des interactions entre réel et virtuel. Shigeki joue du piano avec Machiko alors qu’il croit jouer avec Mako (sa femme décédée) ; quand la première disparaît, la seconde continue à jouer. Machiko, quand Shigeki traverse la rivière, voit son enfant mort se noyer dans le torrent : elle hurle, demande pardon ; mais la réalité refait rapidement surface, et avec elle, un Shigeki plus volubile et compréhensif (il réalise la communauté de tristesse qui les unit). Enfin, Shigeki entreprend une danse avec la morte, danse sensuelle et onirique, joyeuse mais terriblement triste, car en réalité il danse seul. Naomi Kawase fixe toutes ces scènes avec beaucoup de poésie. La nature est toujours partie prenante dans ce ballet des sens, dans cette confusion de la conscience. La forêt de Mogari (on apprendra lors du générique de fin que ‘Mogari’ signifie : travail de deuil) n’est que la métaphore du lent processus de deuil. Shigeki cherche l’être aimé dans la terre, et revit enfin quand il est en communion avec la tombe (réelle ? fictive ?) de Mako. Cette dernière scène est somptueuse de retenue.
Les acteurs sont d’un réalisme remarquable. Retenue souvent, débordement parfois. Après Secret Sunshine et sa longue méditation sur le deuil violent, Naomi Kawase fouille le problème de la mort de l’être cher et du ‘vivre-avec’. Toujours chez elle ses questionnements autour de la disparition d’un enfant (Shara) ou de la filiation (Naissance et maternité). Toujours cette empathie pour la souffrance de l’autre, cette douceur dans le regard (cinématographique). Résultat : un film d’une exceptionnelle beauté formelle, un film sensible et poignant. Cette enfant abandonnée, élevée par des grands-parents aimants et ancienne photographe livre une œuvre personnelle dans laquelle les nappes autobiographiques abondent. Pour tendre vers l’universel.